Marijana Janevska - I(t) all
Marijana Janevska hat uns ein schriftliches Interview über sich, ihr Stück und ihre Gedanken zum Projekt zukommen lassen:
Woher kommst Du und welche Ausbildung hast Du bis jetzt gemacht? Welche Situationen haben Dein Leben geprägt, so dass Du beschlossen hast, Komponistin zu werden?
Ich komme aus Mazedonien und habe vor meinem Kompositionsstudium viele Jahre lang Geige studiert. Wie alle Geiger habe ich viel klassische und romantische Musik gespielt. Zu diesem Zeitpunkt besuchte ich natürlich viele Konzerte dieser Art, aber die ersten Male, als ich zu Konzerten mit zeitgenössischer Musik ging, war ich sehr überrascht und ziemlich verwirrt - von den Geräuschen und Klängen, die verwendet wurden, von den verschiedenen "ungewöhnlichen" Arten, wie die Instrumente gespielt wurden. Ich war neugierig und wollte mehr darüber wissen. Also habe ich Komposition studiert, um die neue Musik besser zu verstehen, und zwar nicht nur die neue Musik, sondern alle Arten von Musik.
Wie und wann hast Du Deine Leidenschaft für das Komponieren entdeckt?
Meine Leidenschaft für das Komponieren entstand schon sehr früh. Als Kind, noch bevor ich lernte, Noten zu lesen, hatte ich einen kleinen Synthesizer, auf dem ich einige Lieder nach Gehör spielte, und dann begann ich auch, einige Lieder und Melodien zu komponieren, die ich anschließend meinen Eltern vorspielte. Danach habe ich angefangen, Geige zu spielen, und erst lange danach habe ich wirklich angefangen, Komposition zu studieren.
Was hat Dich daran fasziniert? Was ist für Dich als Komponistin interessant, wenn es um zeitgenössische Musik geht? Wie bist Du zu dieser Art von Kunst gekommen?
Ich habe eine sehr lange Geschichte des Aufführens und Studierens von Barock, klassischer und romanischer Musik, und als ich anfing, zeitgenössische Musik zu entdecken, war das in gewisser Weise etwas ganz anderes als das, was ich bis dahin kannte, und so wurde ich extrem neugierig darauf, weil es mehr um den Klang selbst ging. Als ich mehr und mehr über zeitgenössische Musik herausfand, gefiel sie mir so gut, dass ich beschloss, Komposition zu studieren, um zu verstehen, wie sie gemacht wurde, welche Logik dahinter steckt, wie sie strukturiert war und so weiter.
Hast Du auch für andere Genres komponiert oder hattest du vorher andere Kontakte in der Musik? Wenn ja, welche sind das?
Ja, ich habe nicht sofort mit zeitgenössischer Musik angefangen. Ich bin erst nach und nach zur zeitgenössischen Musik gekommen. Als ich zu komponieren begann, schrieb ich zunächst tonale oder neoklassische Stücke, dann begann ich, Geräusche in meine Musik einzubringen und so weiter.
Wie würdest Du Deinen Kompositionsstil beschreiben? Was ist Dein künstlerischer Ansatz?
In der letzten Zeit bin ich sehr daran interessiert, Texte in meinen Stücken zu verwenden. Was ich besonders faszinierend fand, war der Raum zwischen der Bedeutung von Wörtern und der rohen Geste ihres Klangs - ihrem Rhythmus, ihrer Tonhöhenabweichung, ihrer Artikulation ... Ich suchte nach verschiedenen Möglichkeiten, Text zu verwenden, um musikalisches Material zu erzeugen und auch körperliche Bewegung und Gesten einzubringen.
Was war für Dich der Grund, an TRAIECT teilzunehmen? Wusstest Du schon vorher von dem Projekt?
Ich habe vor drei Jahren von diesem Projekt erfahren, als ich nach Deutschland kam. Zu dieser Zeit fand das zweite TRAIECT statt, mit einer Zusammenarbeit mit Spielern aus dem Iran, und ich war wirklich fasziniert davon, wie diese Zusammenarbeit einen neuen Raum zwischen Tradition und zeitgenössischer Musik eröffnete, der auch die Elektronik mit einschloss.
Was ist Dein persönliches Interesse an diesem Projekt?
Mehr über neue Traditionen und Kulturen zu erfahren, zu hören, was diese Spieler zu sagen und mitzuteilen haben: wie sie beim gemeinsamen Spielen kommunizieren, wie sie über Musik denken, was Musik und Klang für sie bedeuten.
Auf welche Entdeckung freust Du Dich bei TRAIECT?
Ich bin gespannt, was bei dieser Zusammenarbeit herauskommen wird, die überhaupt nicht konventionell ist. Sie kommen aus einem ganz anderen Bereich der Musik, und das ist es, was dieses Projekt bereichert, weil beide Seiten viel Neues voneinander lernen können.
Hast Du schon einmal an einem ähnlichen Projekt teilgenommen? Wenn ja, welches war es und wie war die Erfahrung?
Nein.
Für welche Instrumente/welches Setting schreibst du?
Ich schreibe für Perkussionsinstrumente: sio-koo (kleine Trommel), thong-koo (Fasstrommel), khok-a (Holzblock) und lo (kleiner Gong) sowie Elektronik.
Das Herzstück des Projekts sind die traditionellen asiatischen Instrumente. Wusstest Du über die Traditionen der Instrumente Bescheid? Wenn nicht oder nicht vollständig, was hast Du während des Workshops und (vielleicht) während des gesamten Kompositionsprozesses gelernt?
Ich kannte keines dieser Instrumente von früher. Ich habe in dem Workshop viele Dinge gelernt. Ich lernte etwas über die Instrumente, ihre Geschichte, wie sie klingen und welche technischen und klanglichen Möglichkeiten sie haben, aber auch über die Herangehensweise der Spieler an die Musik und die Verbindung, die sie mit ihren Instrumenten haben. Ich habe gelernt, wie die Spieler zusammenspielen und was Kammermusik für sie bedeutet, was sich sehr von dem unterscheidet, was wir über Kammermusik denken.
Spielten die Tradition und das kulturelle Umfeld dieser Instrumente eine Rolle bei Deiner Komposition? Wenn ja, wie? Welche Elemente hast Du bewusst eingesetzt, um der Tradition zu begegnen?
Ja. Ich habe viel über die Traditionen Taiwans gelesen, und da ich mich auch für die Verwendung von Bewegung in meinen Stücken interessiere, fand ich etwas interessant, das sich Schattentheater oder Schattenspiel nennt, eine uralte Form des Geschichtenerzählens, die in der taiwanischen Kultur sehr verbreitet ist. Also habe ich dieses Schattentheater in meiner Idee und der Synchronisation und Desynchronisation der Bewegungen der Spieler verwendet.
Wie weit hast Du mit den Instrumentalisten zusammengearbeitet? Kam es zu fruchtbaren Diskussionen und was hast Du von ihnen gelernt?
Ich habe viel mit den Spielern gesprochen, wir tauschten viele Erfahrungen und Ansichten über Musik und das Spielen und über ihre Verbindung zu ihren Instrumenten aus. Ich denke, dass die Interaktion, die Zusammenarbeit und der Austausch von Ideen, Gedanken und Erfahrungen mit anderen Künstlern und Spielern, vor allem wenn sie aus einer völlig anderen Kultur und Umgebung kommen, sehr wichtig und entscheidend für die Entwicklung der eigenen Musik ist, da sich dadurch neue Räume und Möglichkeiten eröffnen.
Wie hat sich Dein Stück während der Zusammenarbeit mit den Instrumentalist*innen verändert?
Es hat sich nicht drastisch verändert. Sie haben die Idee sehr gut aufgenommen und respektieren sie sehr. So arbeiteten wir gemeinsam an den Rhythmen, an der Art der Bewegungen. Sie waren sehr präzise und neugierig auf alles.
Hast Du eine Idee oder einen Wunsch, den Du in Deiner Komposition verwenden willst? Wenn ja, was ist es?
Die Idee des Schattentheaters. Und wie die Bewegung mit dem Klang verbunden ist. Synchronisation und Desynchronisation von Bewegung und Klang.
Welche Elemente siehst Du in dem Projekt, die Du in Deiner Komposition in den Vordergrund stellen willst? Sind es die Instrumente, der Rahmen, die Elektronik oder etwas anderes?
Der Rahmen, das ganze Bühnenbild. Die visuellen Elemente sind auch sehr wichtig für das Stück.
Was möchtest Du uns noch über das Projekt oder Deine Komposition erzählen? Haben wir eine Frage übersehen, die Du beantworten wolltest, die aber nicht gestellt wurde? Hast Du weitere Anmerkungen?
Das Stück ist inspiriert vom taiwanesischen Schattentheater, oder Schattenspiel. Es ist für zwei Spieler und Elektronik. Eine der Spielerinnen spielt Schlaginstrumente, befindet sich aber hinter einem Vorhang, so dass das Publikum nur ihren Schatten und ihre Bewegungen beim Spielen der Instrumente sehen kann, ihre Identität und ihre Instrumente sind nicht zu sehen, nur der Klang, den sie erzeugt, ist zu hören. Die andere Spielerin ist für das Publikum vollständig sichtbar, aber sie hat keine Instrumente, sie ist stumm und ihre Stimme ist weggenommen, so dass sie keinen Ton erzeugen kann. Sie macht nur die Gesten des Schlagzeugspiels. Die Idee ist, dass beide Spieler zu einer Einheit verschmolzen sind. Sie haben eine Identität. Einer der Spieler ist nur ein Schatten des anderen. Am Anfang sind sie in ihren Bewegungen synchronisiert und im Laufe des Stücks desynchronisieren sie sich, als ob die Zeit für sie nicht mit derselben Geschwindigkeit fließt, so dass der Schatten in der Vergangenheit bleibt, als ein Geist, als ein vergangener Schatten der Gegenwart.
English:
Marijana Janevska sent us a written interview about herself, her piece and her thoughts on the project:
Where do you come from and what education did you take until now? How old are you and what situations coined your life, so that you decided to become a composer?
I come from Macedonia and before my composition studies, I studied violin-performance for many years. Like all violinists I was playing a lot of classical and romantic music. Of course, at this point I was attending many concerts of this kind, but the first few times I went to contemporary music concerts I was very surprised and quite puzzled by them – by the noises and sounds that were used, by the different “unusual” ways in which the instruments were being played. I was curious and wanted to know more about it. So, I went to study composition in order to understand new music better, and not just new music, but every type of music.
How and when did you discover your passion for composing?
My passion for composing came very early in life. When I was a child, even before I learned how to read score I had a small synthesizer on which I played some songs by ear and then I also started to compose some songs and melodies that I would afterwards play to my parents. After that I started to play the violin and it is long after that I really took the steps to study composition.
What did fascinate you about it? What is interesting for you as a composer when it comes to contemporary music? How did you get to this kind of art?
I have a very long history of performing and studying barok, classical, romanic music and when I started discovering contemporary music, this was in a way something very different from what I knew until then, so I got extremely curious about it because it was more about the sound itself. As I was discovering more and more about contemporary music, I liked it so much that I decided to study composition, so that I can understand how it was made, what is the logic behind it was, haw it was structured and so on.
Did you compose for other genres as well or have you had other contacts in music before? If yes, what are those?
Yes, I didn’t start immediately with contemporary music. It was step by step that I got into contemporary music. When I started to compose I was at first writing some tonal pieces or neo-classical pieces, then I started to introduce noise in my music and so on.
How would you describe your composition style? What is your artistic approach?
In the last period I am very interested in using text in my pieces. What I found especially compelling was the space between the meaning of words and the raw gesture of their sound – their rhythm, pitch deviation, articulation … I was searching for different ways to use text to produce musical material and to also introduce physical movement and gesture.
What was the reason for you to participate in TRAIECT? Did you know about the project before?
I found about this project three years ago when I came to Germany. At this period the second TRAIECT took place, with collaboration with players from Iran and I was really fascinated from how this collaboration opened new space between tradition and contemporary music, also including electronics.
What is your personal interest in this project?
To learn more about new tradition, new culture, to hear what these players have to say and share: how they communicate while playing together, how they think about music. what does music and sound mean to them.
What are you excited of in TRAIECT to discover?
I am excited to discover what will come out from this collaboration, that is not at all conventional. They come from a completely different field of music and this is what enriches this project because both sides can learn many new things from each other.
Did you take part in a project similar to this before? If yes, which one was it and how was the experience?
No.
What instruments / setting are you writing for?
I write for percussion instruments: sio-koo (small drum), thong-koo (a barrel drum) khok-a (a wood block) and lo (small gong) plus electronics.
The core of the project are the traditional Asian instruments. Did you know about the traditions of the instruments? If not or not entirely, what did you learn in the workshop and (maybe) during the entire process of composing?
I didn’t know any of these instruments from before. I learned many things in the workshop. I learned about the instruments, their history, how they sound like and what are their technical and sound possibilities, also the players’ approach to music and the connection that they have with their instruments. I learned how the players play together and what does chamber music mean to them, which is very different from how we think about chamber music.
Did the tradition and the cultural setting of these instruments play a role in your composing? If so, how? Which elements did you consciously use to encounter the tradition?
Yes. I read a lot about the tradition of Taiwan and since I am also interested into using movement in my pieces, what I found to be interesting was something called shadow theater, or shadow play, which is an ancient form of storytelling, very common in Taiwan culture. So I used this shadow theater in my idea and the synchronization and desynchronization of the movements of the players.
How far did you work together with the instrumentalists? Did you get into fruitful discussion and what did you learn from them?
I talked a lot with the players, we exchanged many experiences and views about music and about playing and about their connection to their instruments. I think that interacting, collaborating and sharing ideas, thoughts and experiences with other artists and players, especially coming from completely different culture and environment is very important, essecial for the development of one’s own music, it opens up new spaces and new possibilities.
How did your piece change while working together with them?
It didn’t change drastically. They accepted the idea very well and deeply respected it. So we worked together on the rhythms, on how the movements should be. They were very precise and curious about everything.
Do you have an idea or a wish of what you want to use in your composition? If yes, what is it?
The idea of the shadow theater. And how the movement is connected to sound. Synchronization and desynchronization of movement and sound.
Which elements do you see in the project you do want to put in front in your composition? Is it the instruments, the frame, the electronics or something else?
The frame, the whole stage setup. The visual elements are also very important for the piece.
What else do you want to tell us about the project or your composition? Did we miss a question you wanted to answer but were not asked? Do you have any other comments?
The piece is inspired by Taiwan’s shadow theater, or shadow play. It is for two players and electronics. One of the players is playing percussion instruments, but is placed behind a curtain, so the only thing that the audience can see is her shadow and her movements of playing the instruments, her identity and her instruments cannot be seen, only the sound that she produces can be heard. The other player is fully visible for the audience, but she has no instruments, she is muted and her voice is been taken away, so she cannot make sound. She only does the gestures of playing percussion instruments. The idea is that both players are merged into one. They have one identity. One of the players is just a shadow of the other. On the beginning they are synchronized in their movements and throughout the piece they desynchronize, as if the time doesn’t flow with the same speed for them, so the shadow stays in the past, as a ghost, as a past shadow of the present.
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